電影《星際救援》影評：宇宙墳場的孤寂探索 -評電影主題

《星際救援》是由詹姆斯·格雷指導的一部太空探索題材的科幻鉅作，影片講述了由 布拉德·皮特扮演的航天工程師羅伊由於一場意外被派往海王星尋找父親的故事，在前行的過程中主人公羅伊遭遇各種困難，雖然見到了父親但還是沒能挽回他的生命，而羅伊的內心也發生了轉變。這是一部觸及哲學之臂的科幻鉅製，導演格雷巧妙的安排各種衝突，高超的視覺運用與音樂渲染加上大量的細節及心理描寫，毫不隱藏的塑造了主人公善良 穩重 的真實人格。似超現實主義的太陽系奇觀配合科幻現實主義的運用，在不脫離現實的前提下為觀眾帶了前所未有的心靈震撼。導演的反套路和反類型的手法也給我們帶來了前所未有的人性窺探與命運審視感，飽含著人類無盡孤獨的濃濃傷感。

第一，是影片的衝突 戲劇衝突是影片的靈魂，它是電影中是必不可少的，它是塑造人物、推動劇情、 表達主題的關鍵。

導演從影片的一開始就放入了主人公遭遇太空電梯爆炸的驚險片段，當主人公遭遇如此大難不死卻內心平靜也奠定了他就是探索太空的最佳人選，因為長途的太空航行不是幾天的旅行，而是面對無盡深淵的人性挑戰，只有心理素質極高的人才能勉強勝任。

當主角進入第二個衝突，他以旅行者的身份來到了月球基地，在偷偷前往火星飛船途中遇到了月球海盜。主角突然意識到無論在哪，只要有人類並且資源有限的情況下必然會引起屠殺掠奪，而這對人類獸性的諷刺何嘗不是結尾父親逃離地球的最佳理由。

主角在前往火星途中遇到的救援信號，讓他陷入了第三個衝突，在某個空間站內的靈長類動物突然殘殺人類，主角的船長在救援中也不幸犧牲，屍體被送入了太空。而看似簡單的「猴子殺人」背後也隱藏著人類科技對生命尊嚴的殘忍扭曲，人類才是真正的禽獸。

主角在經歷了又一次小衝突後抵達火星，在經歷了19天的飛行，也許是長途飛行的心理影響，或是火星和地球相似的重力環境，更可能是來到父親所來過的地方，讓主角一反平靜的內心與理性的行為變得十分焦慮和感性，也導致他而沒有通過心理評估而自我矛盾。

當主角逃離火星並偷偷登上飛船時被船員發現，在激烈的戰鬥中卻無意誤殺了全船成員，更加體現宇宙是墳場的這一主題。

最終主角找到了父親，但父親不想回到地球想在此繼續搜索地外文明，而前面的衝突與影片塑造的世界觀恰好印證了父親不回去的原因。

一位父親能放棄家人與孩子，孤身一人探索宇宙，看似不近人情的做法又似許多為國隱姓埋名的工匠，那到底還是為了人類？難道是功臣不可？顯然不是，父親表示對無知的人類已經放棄了愛，而探索地外生命彷彿只能是他唯一的慰藉，以至於殺害不同意向的船員。當得知孩子要炸斷自己的探索之路時，父親展現出了真正善良人性，做出了最合適的選擇-自殺，宇宙墳場又多了一位忠貞的探索者。這又透露出一個哲理，人類無論是否無知與殘忍，走向太空才是我們的歸宿，而目光所及之處又充滿著危險，只有放下世俗的沉重包袱，直面危險，才能探索下去，才能窺探到宇宙終極奧秘，而死亡僅僅只是探索中不值一提的犧牲。

這六大衝突，雖然多在人與環境的衝突，但還是將個人內心和父親的衝突體現得淋漓盡致，每一個衝突中都以小見大，蘊含著深厚的哲理與人性的考量。

第二，影片的視覺運用是影視作品裡有關色彩、鏡頭、光線以及場景等層面的影像設計與安排。它們作為影視的基本組成元素，對於作品的呈現與表達是有著非常重要的作用。很多時候，它們往往可以構成影視作品很大意義上的審美風格以及影像特徵等。作為一部太空歌劇電影，《星際救援》在視覺運用上是較為明顯的。通過視覺的相關層面進行有效的安排與設計，從而在整體上營造出了富有超現實主義韻味的詩意影像。觀眾在觀賞這部電影的時候，往往容易在視覺層面上收獲共鳴。

色彩，通常是指影視作品裡視覺運用中所表現與呈現出來的顏色。色彩在許多影視作品當中，都有著十分重要的功能表意與審美價值。注重色彩的影視作品，不僅可以在其整體上展現出色調的風格。而且，它們也會在畫面的設計與運用上恰到好處地以色彩建構視覺語言。這部電影作品通過在整體上的黑色基調營造，局部色彩根據主人公的心理狀態在不斷變化，豐富的色彩變化預示影片的情節變化。

例如導演在火星巧妙的利用地理環境放大色彩，用高飽和橙色渲染了一個充滿了危機與不信任的人類社會，也讓主角的行動變得十分神秘與莊嚴

從色彩表意的層面上理解，它們或多或少地與影片所要講述的故事密切相關。因為這是關於宇宙與人性的探索故事，主人公在探索的過程中是坎坷而灰暗的。所以，影片的整體基調便切合著這樣的主題進行展現 。

影視作品通過對鏡頭的有效應用，可以在很大程度上展現出其間的審美感受、人物關係以及環境氣氛等。因此，鏡頭的巧妙應用與使用，往往可以讓作品更的視覺呈現更為深刻。通過恰到好處的鏡頭使用，展現了作品的觀影感受。同時，還在某些意義上呈現了人物關係與環境氣氛。在這部電影作品裡，不乏傳記片的寫實，濃厚的膠片質感畫面配合手持抖動鏡頭使得人文氣息濃厚。這部壓抑的影片從頭到尾都是悲劇，正所謂「喜劇用遠景，悲劇用特寫」，導演對主角的面部特寫的安排恰到好處，不僅僅造成一種懸念效果，引起受眾的強烈共鳴,而且具有很強的衝擊力，演員通過面部把內心活動傳給觀眾，給予觀眾以強烈的印象。而大量倒置鏡頭營造的失重感，這種不平衡感無比貼合影片中主人公的心理，更凸顯了宇宙對人心理造成的負面影響。

《星際救援》是一部在光效層面上展現了視覺運用的影片。通過光效的使用，營造和鋪墊了作品的整體效果。同時，它們也烘托了影片裡的相關事件氣氛。從而，讓光效成為了影片敘事的一種手段。

當主角在火星上偷偷去搭乘火箭的途中，他進入了火星的下水管道系統，陽光穿透黑暗的水體會聚在主角身上，主角在水中婉轉的動作，似母親羊水裡的胎兒

面對四周的黑暗沒有放棄出生，而就如主人公在孕育了我們的黑暗宇宙中沒有放棄探索一般。而黑暗又營造一種陰森與緊張的環境氣氛，也為後面緊張的劇情衝突做了鋪墊和反襯。 無論是色彩 鏡頭還是光效，都讓影片富有了層次感、立體感以及韻味詩意感。這，往往更能襯托出電影的主題。

音樂的選擇與穿插既起到突出主題的作用，對人物的心理以及命運也有所隱喻，更重要的是觀眾藉助音樂的暗示，能夠自然地走入劇中人物的內心以及靈魂。獨白是支撐這部影片敘事的重要部分，《星際救援》通過獨白讓觀影者能進入演員的內心世界，也能讓觀眾更好地理解影片。主角在獨白中一次次表達出對父親態度，隨著真相的不斷流出，主角的獨白也在不斷的體現自我矛盾，這種自我矛盾頗具戲劇張力而又引人深思。 影片多採用聲音蒙太奇，對聲音進行強化或弱化處理，進而塑造主觀視角下人物的心理。

比如主角用擋板衝入海王星星環時，塵埃衝擊擋板的的聲音。這種聲音遠比正常聲音要大，而導演卻刻意弱化，反而強調了主角的呼吸聲和背景音樂

突出了主角的主觀心理，是對父親的不捨，是對黑暗的恐懼。而此時出現的管風琴旋律加上光環幽暗淡藍的環境色彩則為影片結尾帶來了一絲魔幻色彩與哲學韻味。

背景音效的設計高度還原了客觀感，當鏡頭放置在真空中時音效全無，而當進入室內就立馬出現，十分符合科學的基本原理和大眾的聽覺經驗，設計的十分真實。體現聲音真實性的同時也平添了太空的神秘感，與觀影者內心的壓抑和恐懼產生共鳴。 在震撼人心的畫面背後，我們也能看到聲音對於《星際救援》這部科幻鉅作的重要作用：它不僅為諸多場景提高了視聽表現力，更和電影所要表達的內涵高度契合。從主人公的情感歷程上，到故事發展的線索上，再到影片整體的敘事風格上，都充滿著嚴謹的科學理論和深刻的人文關懷。在聲音的作用下，電影表達的內在主題與觀眾的內心思考達成共鳴，意境便悄然到來。

看似簡單的「爸爸去哪兒」的劇情實質並不簡單，因為其充滿了象徵與隱喻。影片最大的亮點就是一反宗教景觀帶來的哲學震撼，通過父子關係來展現宇宙的神秘、危險和人類的無知，這不僅僅給了《2001太空漫遊》《星際穿越》等以神蹟或者是各種宗教現象為驅動力的電影提供了一個反例，告訴他們，上升到哲學高度的電影不一定要充滿著宗教般的反思，而人與人往往也能成為象徵哲學的力量。但這並不是所有觀眾都能理解的，也導致了口碑的兩極分化，而這部影片無論從劇情衝突的反套路上還是視覺運用的熟練度上，已經可以評為經典，何況是如此以小見大的深厚主題。我們不能放棄探索的希望，但是探索需要犧牲，無論是親情的犧牲還是個體的犧牲。

電影也是如此，犧牲掉如今的票房又何妨，電影也如同宇宙，唯有探索才能成長。

但是，我個人並不喜歡這種拍給「專業影評人」看的電影，電影是大眾藝術，大眾喜歡實的而不是虛的，喜歡爽的而不是悶的，所以我傾向於拍攝大眾愛看的商業電影。給觀眾在影院帶來歡樂是我的願望。